陶瓷艺术的生命力，或许就藏在这种“不隔”里——不隔千年，不隔人心，始终温热，始终在生长

每次有客人来博物馆参观，或是外出文化交流，我常常会被问起，陶瓷艺术的生命力到底从哪儿来？面对这个常说常新的话题，我一直思索过，其来源于生活、来源于祖辈智慧留下的文化传统、来源于艺术创作个体对艺术本身的认知……等等，而最终的答案，是在我艺术实践的画笔里。

既如此，我还是想结合我的古彩艺术创作来聊一聊。在我40余年的陶瓷艺术创作经历中，我创作过粉彩、青花、高温颜色釉等多类型瓷画作品，而我创作最多或聊得最多的，那种那种鲜艳又沉稳的颜色，繁复却有序的纹样，总让我觉得很亲切。古彩又因其工艺的特殊性，相较于青花、粉彩，从事其创作的人却不是很多。一边是景德镇瓷苑中一朵靓丽的花朵，一边是从艺者的泛众，其如何发展、如何走进当下的生活，成为我探寻的主要课题。于是我开始琢磨，怎么让古彩“活”在，这也是所有古彩艺术家们所努力的共同目标。

首先，我觉得传统的底子是不能丢的。就像盖房子，地基扎实了，上面才能稳稳地盖出新样子。古彩的用色、用线、构图，我都曾一遍遍地学，一遍遍地练。但我渐渐明白，真正的学习不是照搬，而是听懂古人藏在纹样里的那些话——那些对吉祥的祈愿，对美好的向往，对生活的热爱。我想接续的，正是这份精神。

后来我做了“母子亲”系列。选古彩，就是因为它的颜色够浓、够暖，能画出我心里那种厚实的亲情。画母亲和孩子相依偎的样子时，我笔下的云纹不再只是云纹，而是像母亲绵长的牵挂；如意纹也不只是花纹，而像是幸福美满的模样。我希望看的人不只是说“这颜色真亮”，更能感觉到画面后面那份温度。

中国陶瓷设计艺术大师蔡玲玲作品《母子情》

但只有传统还不够。艺术如果不当下的话，慢慢就会被时代所淘汰。所以我总在想，怎么让我的瓷瓶、瓷板，也能被年轻人喜欢，甚至被不同文化的人看懂。于是，在我的生肖瓷系列创作设计中，也可以清晰地看到我所做的努力与尝试。如今年推出的《骢·荣》肖瓷盘，我试着把马画得不太一样——不再是完全写实的样子，线条更流畅，色块也更整体。颜色上，我在古彩的红、绿、黄之外，悄悄加了些暖灰和金属色，让它在热闹里多一点现代的安静。我想，生肖是老的，但看它的人的眼睛是新的。

中国陶瓷设计艺术大师蔡玲玲作品《骢·荣》

材料的摸索，是这几年我最花力气的地方。古彩的颜色虽美，但有时和现在人习惯的视觉总隔着一层什么。于是我开始试验各种新颜料，一遍遍地调，一遍遍地烧，终于有了“复合彩”。它保留了古彩那种透亮鲜艳的劲儿，但更稳了，层次也更细腻。载体我也试着变一变。于是有了超薄瓷板，我把它做成灯罩、屏风，甚至嵌在桌面上。艺术不该总在展柜里站着，它该坐在我们的餐桌边，亮在我们的灯光下，实实在在地愉悦着我们的生活。

这让我想起了我所创作的几副旧作，如《节日盛装》《早春二月》《悠悠岁月》等。画《节日盛装》时，我想抓住的是那种欢腾的瞬间。少数民族少女的衣服上绣满花纹，一动起来，色彩都在跳跃。我用了很多鲜艳的颜色，但让它们顺着器形的弧度走，不让画面乱。少女的眼神、手势，甚至衣摆飘起的角度，都藏着节日的喜悦。

而《早春二月》是安静的。春天刚来，花还没全开，空气里有点凉，又有点暖。姑娘倚在门边，手里拿着草帽，眼睛望着远处——她在等什么呢？也许在等花开，也许在等人来。我在瓶身上用了很多浅绿、淡粉，颜色不像古彩那么浓烈，像初春的光，朦朦胧胧的。器形故意做得秀气，和少女那种含羞的体态呼应着。在我的博物馆，现在看到这件作品，都还倍感亲切。

《悠悠岁月》画的是农家姑娘。她刚停下手中的活儿，站在芭蕉叶前，脸上没有疲惫，只有一种安稳的神情。藤蔓绿得厚实，家禽在脚边闹着，日子朴素而饱满。我用颜色一层层染出土地的温厚、植物的生机，最后才画人——她是长在这片土地上的，所以她的目光那么踏实，那么有方向。

之所以聊起这几幅旧作，只是想打开艺术走进生活的样式，找到那种既老又新的语言，说出一些真实的话，温暖美好眼前的生活。陶瓷艺术的生命力，或许就藏在这种“不隔”里——不隔千年，不隔人心，始终温热，始终在生长。